Llamamos a Guillermo Cazenave, un buen amigo y músico desde hace más de 40 años. Hablamos de su obra, de tiempos pasados en la música internacional y nos ponemos al día en temas personales. Una grata entrevista que tienes que ver.
Si quieres descargarte este video y subirlo a tus canales, incluso monetizarlo, estas autorizado. Considéralo contenido tuyo y difúndelo por tus redes o por donde tú quieras. Pero ten cuidado con la censura, su contenido puede ser distinto al pensamiento único. Y de ahí la importancia de su difusión.
Claus Vegaes un productor germano-chileno de música electrónica que vive y trabaja a caballo entre Barcelona y Berlín. En su música, inspirada en géneros diversos, utiliza la electrónica para combinar el perfeccionismo alemán con el ritmo latino. Para ello, además de utilizar sonidos sintéticos, realiza también modificaciones sobre grabaciones de instrumentos de música clásica y sonidos de la naturaleza. En abril del pasado año estrenó su primer EP, Noches Amarillas. Con ese motivo incluimos el vídeo de su single “The collector” en nuestra PlayList Emergente de la Semana. El pasado mes de marzo regresó con un segundo EP llamado Light Years, publicado con el sello de musica holandés Whirling Wolf.
Hoy se estrena “The Hunter”, su segundo vídeo musical y su debut como director de pantalla. Es la secuela de su mencionado vídeo “The Collector” y aparentemente conducirá a la parte final de una trilogía. En “The Hunter”, una pieza cinemática y llena de simbología, Claus Vega cuenta una historia conceptual de autodeterminación y el intento de dominar y controlar las maravillas de la naturaleza, como el tiempo, la evolución y el círculo de la vida y la muerte. Un hecho interesante sobre la canción es que nunca mantiene el mismo tempo, sino que va aumentando y disminuyendo de acuerdo a la proporción áurea. Protagonizan el vídeo Júlia Ferré e Inty Shishishi.
Te dejamos con algunas fotos del “making of”, y con el nuevo vídeo de Claus Vega, “The hunter”, que estrenamos en Muzikalia.
Claus Vegaes un productor germano-chileno de música electrónica que vive y trabaja a caballo entre Barcelona y Berlín. En su música, inspirada en géneros diversos, utiliza la electrónica para combinar el perfeccionismo alemán con el ritmo latino.
Para ello, además de sonidos sintéticos, modifica grabaciones de instrumentos de música clásica y sonidos de la naturaleza. Este mes de abril estrena su primer EP, Noches Amarillas.
De momento te presentamos el vídeo de su single “The collector”, con el cual obtuvo diversas nominaciones y un premio en los International Music Video Underground Awards el pasado año.
Tesla lo dijo. Einstein estuvo de acuerdo. La ciencia lo demostró. Es un hecho conocido que todo, incluyendo nuestros propios cuerpos – se compone de energía que vibra a diferentes frecuencias. Dicho esto, ¿puede las frecuencias sonoras afectarnos? Seguro que pueden.
Las frecuencias afectan a las frecuencias; al igual que la mezcla de ingredientes con otros ingredientes afecta el sabor general de una comida. La forma en que las frecuencias afectan el mundo físico se ha demostrado a través de diversos experimentos, como la ciencia de la cimática y la memoria del agua.
La ciencia de la cimática ilustra que cuando las frecuencias de sonido se mueven a través de un medio en particular, tal como el agua, aire o arena, alteran directamente la vibración de la materia. Abajo están las imágenes que demuestran cómo las partículas se ajustan a diferentes frecuencias.
La memoria del agua también ilustra cómo nuestras propias intenciones, incluso puede alterar el mundo material. Esto ha sido demostrado por el Dr. Masaru Emoto, que ha realizado estudios que demuestran cómo las intenciones sencillas a través del sonido, las emociones y los pensamientos pueden drásticamente moldear la forma del agua cristaliza. (Ver el documental aquí).
«Si quieres encontrar los secretos del universo, piensa en términos de energía, frecuencia y vibración.» – Nikola Tesla
«Lo que hemos llamado materia es energía, cuya vibración ha sido tan baja como para ser perceptible a los sentidos. No existe materia.» – Albert Einstein
Todos tenemos una cierta frecuencia de vibración, sin mencionar que nuestros cuerpos se estima que alrededor del 70 % es agua … por lo que probablemente podemos esperar que las frecuencias musicales puedan alterar nuestro estado vibratorio. Algunos pueden llamar a esto ‘pseudociencia’, sin embargo, la ciencia y los patrones que se muestra arriba no mienten. Cada expresión a través del sonido, la emoción o el pensamiento posee una frecuencia específica que influye en todo a su alrededor – al igual que una sola gota de agua puede crear un efecto de onda más grande en una gran masa de agua.
Frecuencia Musical
Con este concepto en mente, vamos a poner nuestra atención en la frecuencia de la música que escuchamos. La mayor parte de la música de todo el mundo se ha ajustado a LA = 440 Hz desde que la Organización Internacional de Normalización (ISO) lo promovió en 1953. Sin embargo, los estudios sobre la naturaleza vibratoria del universo indican que este tono es inarmónico con la resonancia natural de la naturaleza y pueden generar efectos negativos en el comportamiento humano y la conciencia.
Algunas teorías sugieren incluso que el régimen Nazi estuvo a favor de la adopción de este tono como estandar después de realizar investigaciones científicas para determinar cual es el mejor rango de frecuencias para inducir el miedo y la agresión. Sea o no así la conspiración es real, interesantes estudios y observaciones han apuntado hacia los beneficios de la música sintonízada a LA = 432 Hz.
Cuando nuestros átomos y el ADN empiezan a resonar en armonía con el patrón en espiral de la naturaleza, se dice que nuestro sentido de conexión con la naturaleza se magnifican. El número 432 también se refleja en las relaciones entre el Sol, la Tierra y la Luna, así como la precesión de los equinoccios, la Gran Pirámide de Egipto, Stonehenge, el Yantra Sri entre muchos otros lugares sagrados.
«A partir de mis propias observaciones, algunos de los parciales sobretonos armónicos de LA = 432Hz parecen alinearse con los patrones naturales y también la resonancia de los solitones. Los solitones necesitan un rango específico para formarse en el ámbito de la densidad y abarcar desde el micro al macro cosmos. Los solitones no sólo se encuentran en la mecánica del agua, sino también en el aliento de iones-acústico entre electrones y protones» – . Brian T. Collins
Visualización cimática de una gota de agua sonando a 432 Hz (izquierda) y sonado a 440 Hz (derecha).
Otro factor interesante a considerar es que la sintonización a LA = 432 Hz se correlaciona con el espectro de colores, mientras que el LA = 440 Hz no lo esta.
«El Espectro Solar y el Teclado Cósmico:
Todas las frecuencias en el espectro están relacionados en octavas, desde los rayos gamma a los subarmónicos. Estos colores y notas también están relacionados con nuestros Chakras y otros centros de energía importantes. Si hemos de entender que (…) los Chakras están conectados a los Siete Rayos del espectro solar, entonces las notas y las frecuencias que utilizamos para el mismo deben ser los mismos. LA 432 Hz es la afinación del Teclado Cósmico o el Diapasón Cósmico, a diferencia del moderno la 440 Hz ‘estándar’. Eso coloca la Do# a 136,10 Hz ‘Om’, que es la nota principal del Sitar en la música clásica de la India y el tono de los cantos de los monjes tibetanos, que nos dicen ‘viene de la naturaleza.’ «- Dameon Keller
Nota: 136,1 Hz es la frecuencia utilizada para afinar los instrumentos para la música del templo indio. Se llama Sadja o Sa, el tono base del Sitar y Tambura. Se dice que el tono del Om estimula el Anahata (chakra del corazón) y por lo tanto se cree ampliamente que es bueno para la meditación.
Vamos a explorar la diferencia experimental entre LA = 440 Hz y LA = 432 Hz. Los amantes de la música y los músicos han notado la gran diferencia con la música sintonizada en LA = 432 Hz, que no sólo es más bello y armonioso para los oídos, sino también induce una experiencia más hacia el interior que se siente dentro del cuerpo en la columna vertebral y el corazón.
La música sintonizada en LA = 440 Hz se hizo sentir como una experiencia mental y más hacia el exterior, y se hizo sentir en el lado de la cabeza que proyecta hacia el exterior. Los amantes del sonido también han declarado que la música en LA = 432hz parece ser que no es local y puede llenar toda una habitación, mientras que en LA = 440hz puede ser percibido como direccional o lineal en la propagación del sonido.
«Los antiguos afinaban sus instrumentos a una LA de 432 Hz en lugar de 440 Hz – y por una buena razón. Hay un montón de ejemplos de música en Internet que se puede escuchar, con el fin de establecer la diferencia por sí mismo.
Sintonizando el instrumento a 432 Hz da como resultado un sonido más relajado, mientras que 440 Hz ligeramente pone tenso el cuerpo. Esto se debe a que 440 Hz está fuera de tono con los dos macrocosmos y microcosmos. 432 Hz por el contrario está en sintonía. Para dar un ejemplo de cómo esta se manifiesta microcósmicamente: la respiración (0,3 Hz) y nuestros pulsos (1,2 Hz) se refieren a la frecuencia de la octava más baja de una LA de 432 Hz (108 Hz) como 1:360 y 1:90 » – . innergarden.org
«La diferencia del sonido en general fue notable, la versión 432 suena más cálido, más claro y al instante sonó más audible pero la versión 440 se sintió con más fuerza, con más energía agresiva. » – Guitarrista Anónimo.
El siguiente video fue creado por alguien que no tiene preferencia u opinión sobre si LA = 432 Hz o LA = 440 Hz es mejor. Por lo tanto, la forma en las dos versiones de la melodía es reproducida es imparcial. Nos corresponde a nosotros sintonizar y sentir cual de ellas se siente más armonioso para nosotros!
Personalmente he disfrutado de muchas bandas, artistas y estilos de música, aunque estaban sintonizandos en LA = 440 hz, sin embargo al comparar un par de canciones, tanto en LA = 432 Hz y LA = 440 hz, puedo sentir y oír la diferencia.
Yo no diría que en mi experiencia de la música a 440Hz me haya convertido en una persona agresiva, pero no puedo entender cómo una población entera está expuesto a la música que se dirige más a la mente en lugar de dirigido al corazón – sin mencionar todo el materialismo y letras conducido por el ego en la mayoría de la música popular – es una combinación perfecta para mantener una frecuencia más discordante y un estado de conciencia en la humanidad.
«La música basada en DO = 128 Hz (nota DO en concierto LA = 432hz ) apoyará a la humanidad en su camino hacia la libertad espiritual. El oído interno del ser humano se basa en DO = 128 hz» – Rudolph Steiner
No puedo afirmar con absoluta certeza que toda la idea sugerida en este artículo es 100 % exacta, ni soy un experto en el tema. Por esta razón, sugiero que cada uno haga su propia investigación sobre el tema con una – incluso perspicaz – mente abierta si estamos buscando por validación científica. Sin embargo, todos poseemos la intuición y la capacidad de observar sin juzgar – que puede ser tan valioso (si no más) como llenar nuestras cabezas con datos externos e incluso conceptos científicos.
Por lo tanto depende de nosotros el bajar el tono de las ganas de saltar a conclusiones y en cambio experimentar la diferencia entre LA = 440 Hz y LA = 432 Hz. Para ello, tenemos que escuchar con todo nuestro cuerpo y una conciencia neutral, en lugar de, con nuestras ideas mentales, juicios y prejuicios.
Si estás interesado en cambiar el tono de tu música a LA = 432 hz, haga clic aquí para saber cómo hacerlo.
Como sabemos, los sonidos tienen un gran impacto en nuestra forma de pensar. 432 Hz hace que el sonido de la música sea más armoniosa, tranquila, promueve la felicidad y la comprensión profunda, la pasión. 440 Hz es más enérgico, más rápido, más de prisa. Así que ¿por qué alguien y lo más importante, cómo, determina que 440 Hz es mejor que 432 Hz?
Porque la música nos toca donde nada más puede hacerlo, donde la esencia de nuestro Ser Emocional esta, y si controlas las emociones / pensamientos que la música promueve, entonces tu trabajo de controlar el mundo esta 99 % hecho. «Ellos» no quieren que la gente entienda nuestra verdadera naturaleza y nuestro Ser Superior. Ellos quieren que estemos a toda prisa, creer sólo lo que vemos y ser competitivos en las cosas materiales. De esta manera, el 99 % vivirá en la realidad creada por ellos por el 1 %, una realidad cuyo resultado final es la intoxicación psíquica de la mente de las masas de la humanidad.
El genio del teclado y el sintetizador de Emerson, Lake y Palmer se ha suicidado a los 71 años
Sábado, 12 de marzo del 2016 – 21:50 CET
AP / PAUL A. HERBERT
Keith Emerson, en el 2015, en Estados Unidos.
Sin espectadores esta vez, en su casa de Santa Mónica (California), el teclista británico Keith Emerson, leyenda del rock progresivo y de la experimentación con sintetizadores que alcanzó su culmen con la influyente formación Emerson, Lake & Palmer, acabó con su vida el viernes de un disparo en la cabeza. Tenía 71 años y su muerte fue anunciada en la página en Facebook de ELP, mientras que la policía de Santa Mónica confirmó que la investiga como un suicidio.
Carl Palmer (de Atomic Rooster), el batería que en 1969 se unió al guitarrista y vocalista Greg Lake (King Crimson) y a Emerson (procedente de The Nice) para fundar la banda que en los años 70 dejó imborrable huella en discos como ‘ELP’, ‘Trilogy’, ‘Brain Salad Surgery’ y ‘Pictures at an Exhibition’, directo grabado en uno de sus teatrales conciertos en directo, lo despidió también en la red social como «un pionero y un innovador cuyo genio musical nos tocó a todos en el mundo del rock, de la clásica y del jazz».
Dos discos clave
‘Pictures at an exhibition’. Basado en la suite de piano de Modest Mussorgsky y grabado en vivo, su publicación se retrasó porque la discográfica quería editarlo en su sello de clásica. Tras el éxito comercial de ‘Tarkus’ se publicó en 1971.
‘Trilogy’. El tercer disco de estudio incluye ‘Hoedown’, un tema basado en una composición de Aaron Copland que Emerson compuso tras viajar a Rumanía. Se haría uno de los temas más populares en vivo de Emerson, Lake & Palmer.
Esos géneros y más formaban parte del menú musical de Emerson, que nació el 2 de noviembre de 1944 en Todmorden (Lancashire) y recibió algunas clases privadas de piano, empezó a familiarizarse en su adolescencia con el Hammond escuchando jazz y tocó con un par de bandas antes de fundar The Nice. Fue, no obstante, cuando descubrió el sintetizador Moog en 1968 escuchando el Switch-on Bach de Wendy Carlos y al año siguiente cuando se unió a Lake y Palmer cuando llegó la apoteosis de su exploración, que se presentaría al mundo en el festival de la Isla de Wight en 1970. Seis de los discos que produjeron antes de separarse en 1979 llegaron a platino y en todos sus conciertos dieron espectáculo, aunque su teatralidad, ejemplificada en gestos como el uso de cuchillos en als teclas para prolongar los sonido, no era del gusto de todos ni fue unánimemente aplaudida.
Según le explicó el propio Emerson a ‘The Guardian’ en 2002, querían «crear una banda de tres piezas con el mayor sonido posible, una especie de orquesta eléctrica de tres hombres. Teníamos un ambicioso repertorio de clásicos rockeados basados en Bach, Bartok, Janacek, Mussorgsky y Ginastera intercalado con blues, boogie, rock’n’roll, y experimentábamos, extemporizábamos, cualquier cosa».
Emerson, que se reunió en proyectos distintos con sus antiguos compañeros, grabó discos en solitario y bandas sonoras, como la de ‘Inferno’, de Dario Argento. Actuialmente lideraba la Keith Emerson Band, que debía iniciar una gira por Japón el mes que viene.
‘Pictures at an exhibition’. Basado en la suite de piano de Modest Mussorgsky y grabado en vivo, su publicación se retrasó porque la discográfica quería editarlo en su sello de clásica. Tras el éxito comercial de ‘Tarkus’ se publicó en 1971.
‘Trilogy’. El tercer disco de estudio incluye ‘Hoedown’, un tema basado en una composición de Aaron Copland que Emerson compuso tras viajar a Rumanía. Se haría uno de los temas más populares en vivo de Emerson, Lake & Palmer.
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